15.8.16
11.8.16
10.8.16
Mais um cartum de João Zero para alegrar nossa semana. Olhe onde foi parar o Pokémon!
4.8.16
Daibert e a reflexão sobre as Veredas do Grande Sertão
A reflexão sobre Grande Sertão: Veredas que Arlindo Daibert (12/08/1952 – 28/08/1993) criou, entre 1983 e 1984, interligando uma série de 20 xilogravuras (com apenas 30 cópias assinadas e numeradas) a desenhos e colagens permanece desafiadora 23 anos após a morte do artista plástico mineiro, em 28 de agosto de 1993. Esta série de xilogravuras é o testemunho vivo da ousadia e da inventividade de quem sempre encarnou a criação como um estímulo, além de um compromisso com a produção do saber.
O Brasil celebrou, em maio de 2016, os 60 anos do lançamento da obra-prima de João Guimarães Rosa, Grande Sertão: Veredas, terceiro livro do escritor mineiro que revolucionou a moderna literatura ficcional brasileira. Lançado em maio de 1956, GSV expressa toda a inventividade e a criatividade de Rosa ao reinventar uma linguagem literária peculiar e é considerado como um dos mais importantes livros do século XX no país. Ao criar um vocabulário entremeado de neologismos e de invenções, o escritor articulou a base para sua narrativa épica, abordando contradições vivenciadas por suas personagens sertanejas envolvidas entre Deus e o diabo, além da imprevisibilidade do amor.
Na opinião do conceituado crítico literário Antonio Candido: “A experiência documentária de Guimarães Rosa, a observação da vida sertaneja, a paixão pela coisa e o nome da coisa, a capacidade de entrar na psicologia do rústico, — tudo se transformou em significado universal graças à invenção, que subtrai o livro da matriz regional, para fazê-lo exprimir os grandes lugares comuns, sem os quais a arte não sobrevive: dor, júbilo, ódio, amor, morte, — para cuja órbita nos arrasta a cada instante, mostrando que o pitoresco é acessório, e na verdade, o Sertão é o Mundo”.
Arlindo Daibert revelou uma arte inquietante ao se enveredar no universo mágico de Guimarães Rosa (nascido em Cordisburgo em 27 de junho de 1908 e que completaria 108 anos, em 27 de junho de 2016, se não tivesse se encantado em 19/11/1967). O artista plástico, já no início da elaboração da série de trabalhos, deixava antever que o conjunto de imagens criado seria pouco ortodoxo. Ao ser entrevistado por Walter Sebastião, em fevereiro de 1984, Daibert revelava, pela primeira vez, estar usando como guia de sua interpretação o máximo de declarações de Guimarães Rosa. Afinal, “ele fazia questão de frisar que seu projeto literário era um romance cosmológico, um romance filosófico ambientado no sertão, porque o sertão é um universo fechado”.
Algumas relações intertextuais abrem um espaço muito amplo e muito rico para a reflexão e para o conhecimento. Este é, com certeza, o caso da série de trabalhos gráficos que Arlindo Daibert, doublé de artista plástico e grande leitor (não necessariamente nessa ordem), fez da narrativa de Guimarães Rosa. O professor de literatura brasileira e de literatura comparada da Universidade Federal de Juiz de Fora (UFJF), Gilvan P. Ribeiro, afirma que, à primeira vista, poderia parecer que o artista ilustrou a obra de Rosa. Mas a um olhar mais atento, percebe-se que, na verdade, Arlindo Daibert dialoga com múltiplas veredas do grande sertão. Seu “olho armado” percebe, na escritura de Rosa, uma miríade de possibilidades visuais que evolam do texto. A essas possibilidades se acrescentam outras, decorrentes da pesquisa que Daibert fez do escritor e que brotam, nos trabalhos do artista, como flores simbólicas das reflexões e querências de Rosa. Personagens e situações do livro aparecem, assim, ligadas a cartas de tarô, mandalas, oroboros e outras variadas simbologias. Desta forma, o mistério, que, de alguma forma, sempre ronda o livro de Rosa, se abre em cor, luz e sombra, reitera o professor.
Ao ler os trabalhos de Arlindo, tendo sempre a obra de Rosa como referencial primeiro, um ilumina o outro. A compreensão do universo roseano se amplia a partir da leitura que o artista faz do texto. Personagens se esgarçam ou se projetam com nitidez, situações de tensão ou de ternura se recortam numa moldura que as torna mais visíveis. Felizmente, argumenta Gilvan P. Ribeiro, a obra de Arlindo Daibert pode ser lida por muitos, desde que foram publicadas no livro Imagens do grande sertão (Editoras UFMG – UFJF).
Grande Sertão: Veredas, para o escritor também mineiro Luiz Ruffato, que é considerado um renovador da prosa contemporânea brasileira, sem dúvida alguma, é um dos maiores monumentos da literatura brasileira. Individualmente, talvez seja o maior romance da língua, embora Guimarães Rosa, na opinião de Ruffato, não seja o maior escritor (perde, por pontos, para Machado de Assis...). Trata-se de uma obra que funde, com extrema felicidade, o caráter conflituoso em vários aspectos: a língua popular e erudita, o Bem e o Mal, o masculino e o feminino, o amor e a violência, o local e o universal. Tão radical experiência ainda hoje motiva controvérsias, mas, parece, a cada dia mais se configura uma obviedade: é uma obra-prima barroca, talvez o mais barroco dos nossos romances, ressalta Ruffato. Segundo o escritor e crítico literário Fábio Lucas “Grande Sertão:Veredas introduziu no espírito investigativo dos intérpretes, críticos e analistas a sanha de desvelar o mundo real que o autor teria reproduzido artisticamente na obra. Um dos modos de perseguir essa possibilidade foi o de identificar o espaço geográfico da ação dramática (o exemplo de Alan Viggiano em Itinerário de Riobaldo Tatarana) ou de vasculhar a dimensão linguística da região em que se desenrolam os episódios narrados por Riobaldo (o exemplo da obra de Teresinha Souto Ward (O Discurso Oral em ‘Grande Sertão:Veredas’). Geografia física e Geografia Humana”.
A escritora mineira Rachel Jardim argumenta que, no Brasil, existe o time do Guimarães Rosa e o time do Machado de Assis. Sempre se considera Guimarães Rosa mais moderno, um reformador da linguagem, muito mais Joyce do que Proust. No entanto, o sentimento poético que possuem todos os personagens regionais de Guimarães Rosa é que os torna imortais e universais. Muito mais do que personagens regionais, eles são produto de uma visão poética abrangente e avassaladora.
Para Rachel Jardim, Machado lida com o cotidiano, com seres aparentemente triviais, nada exóticos, nada regionais, ambivalentes e, às vezes, metafóricos. Mas para quem gosta realmente de ler, para quem se deixa possuir pela literatura e a conhece verdadeiramente, há poucas diferenças. Sombra e luz possuem a alma dos personagens de Machado de Assis e de Guimarães Rosa. É nesse terreno que os leitores de Machado de Assis e de Guimarães Rosa mergulham. Isso é o suficiente para fazê-los testemunha e cúmplice da grandeza de ambos.
A vida e a linguagem são uma coisa só
Último trabalho de Arlindo Daibert, nascido em 12 de agosto de 1952, em Juiz de Fora, Minas Gerais, a série GSV foi exposta pela primeira vez, em Belo Horizonte , no final de setembro de 1993, um mês após a morte do artista. E, em abril de 1994, o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo abriu suas portas para acolher a reflexão do desenhista mineiro sobre a obra de Guimarães Rosa.
A relação essencialmente mágica expressa pelo artista plástico, tanto na série de 20 xilogravuras, quanto nos desenhos e colagens, acaba por reafirmar toda a força criativa desta interpretação aberta do universo de Guimarães Rosa. E essa dimensão foi percebida, já no início da elaboração dos trabalhos, pelo jornalista e crítico de arte Walter Sebastião, um dos primeiros interlocutores a conversar com Arlindo Daibert, logo que o artista juizforano iniciou um estudo detalhado da obra de Rosa e passou a se enveredar no universo de GSV, entre o final de 1983 e o início de 1984. Walter Sebastião vê na incrível rede de significados elaborada por Arlindo a síntese de toda a sua inteligência no manuseio de signos/símbolos e destaca toda a sua habilidade artesanal.
Um artista capaz de deixar fluir uma forte crença na responsabilidade cultural de sua arte, Daibert sempre se recusou a ser um mero “produtor de imagens” e defendia como compromisso do artista a produção do saber. Assim, o desenhista não levou em conta o contexto pessoal do escritor mineiro e não fez uma releitura técnica de GSV. Na verdade, ousou criar sem limitações, tendo como ponto de partida o estímulo literário.
Ao vislumbrar no livro de Rosa uma síntese do Cosmos e não uma narrativa específica de uma região, o artista apontava para a grandeza do autor. E advertia: “Quem for ver procurando estereótipos regionalistas, não vai entender nada”. Afinal, o artista plástico conseguiu romper limites e conseguiu refletir sobre a linguagem do desenho. O desafio da criação nunca intimidou Arlindo Daibert, ao contrário, sempre serviu como estímulo.
O psicanalista Jacob Pinheiro Goldberg vê nos nomes, a chave do enigma de GSV: “Guimarães Rosa era o enxadrista da erudição e, mais ainda, o mago que esconde–esconde pistas para aguçar a busca do leitor. Médico e curioso do alternativo, sabia que o rim e não o coração é o órgão da paixão no Oriente. Dia do rim, o personagem, ela no lusco–fusco do amor. Diadorim. Rio São Francisco, a imagem fálica do pau grosso em sua narrativa. Baldo, o personagem do másculo deslize. Riobaldo. O amor que não diz o nome”.
Segundo a professora, poeta e contista suíça, radicada no Brasil, Prisca Agustoni, a narrativa de GSV é de encaixes, não só em termos formais (linguísticos, sintáticos), mas também em termos da matéria narrativa, que é revelada ao destinatário aos poucos, através de remendos e fragmentos, de idas e voltas. O próprio narrador é duplo, sendo o Riobaldo-personagem das façanhas jagunças, de tom épico, e o Riobaldo do tom lírico, que fala e reflexiona sobre si mesmo. Apesar disso, os dois são “uma coisa só”, uma unidade que atravessa o romance como um todo encaixado, “tudo certinho”.
Caráter universal fascinante
A abrangência do romance é universal, as implicações filosóficas transcendem os limites geográficos e históricos da narrativa. Aí reside o permanente fascínio de GSV. O artista plástico apontava ainda o fato de Guimarães Rosa misturar, por exemplo, máximas e raciocínios do Zen-Budismo ou de Vedas, como referências que deram o caráter universal ao livro e acabaram despertando o interesse de estudiosos de outros países.
O que torna a obra de Guimarães Rosa tão fascinante, na opinião da professora assistente de literatura brasileira e cultura naUniversidade de Stanford, nos Estados Uni-dos, Marília Librandi Rocha, é que a sua escrita é a reunião de muitas artes. Ao escrever, ele pinta, desenha e dança com as palavras que soam como música, o que faz com que o leitor se deleite com o fluxo poético de sua prosa, por isso mesmo intensamente erótica, pois afeta os sentidos do corpo e da mente ou, como ele preferiria dizer, do “coraçãomente”, como “belimbeleza” de muita arte. Além disso, é sempre um desafio para a leitura: sua plenitude de significados esvazia o sentido das muitas interpretações, escapando pelas vertentes, como a dizer que a ficção é sempre mais verdadeira que as muitas realidades a ela atribuídas: “Somente renovando a língua, pode-se renovar o mundo”.
Assim, ao iniciar o projeto de GSV, em 1983, Arlindo Daibert imaginava fazer 99 trabalhos, um número simbólico, ímpar, com 9, que é um número cabalístico. A intenção, revelada na época, era quase uma homenagem ao fascínio de Guimarães Rosa pelos raciocínios das filosofias ocultistas, pela alquimia, pelas filosofias orientais, que são aspectos que o escritor deixava vazar não só noGSV, mas em outras narrativas.
Despertava a atenção do desenhista a descrição de episódios e situações na obra de Guimarães Rosa que coincidiam com a descrição das cartas do Tarot. Todos estes dados serviram de referência para o artista na criação das imagens. Ao usar desde imagens populares até representações eruditas, Daibert driblou a tentação de uma simples tradução e ousou na interpretação e na criatividade.
Ao criar uma imagem ilustre com uma colcha de retalhos, ou outra com uma cara de Tarot, ou ainda um jagunço a cavalo com a representação de um centauro, Arlindo Daibert explorou a diversidade de situações sempre presente na obra de Rosa. E rompeu com todos os limites ao refletir sobre a linguagem do desenho e ampliar suas possibilidades. O artista sempre deixou muito claro que, ao vislumbrar seu trabalho — seja em desenho seja em pintura ou em colagem — como uma linguagem de encarar o mundo, aceitava o desafio da criação. Mas ressaltava que não se podia confundir um método de raciocínio com apenas uma produção de imagens.
A característica da linguagem gráfica de Daibert não poderia deixar de ser a criação da imagem, mas sempre como conseqüência e não como fim de seu projeto. E o artista plástico explicitava este ponto de vista: “O meu projeto não é criar imagens, o meu projeto é refletir sobre as coisas através das imagens”. Isso criava uma dinâmica capaz de não prender a sua criação a nenhuma fórmula gráfica, a nenhum estilo gráfico.
Arlindo Daibert ainda confidenciou: “Eu tenho um estilo de raciocínio e não um estilo gráfico. Os meus estilos gráficos se adaptam às problemáticas que eu estiver refletindo em cada momento”. Este era seu grande trunfo: um artista afiado e afinado com o seu tempo. Avesso a concessões e a limitações, sempre fazia da ousadia de dar um passo à frente o estímulo para continuar caminhando. Essa percepção mágica diferenciava Arlindo e está viva e presente em sua arte.
Um franco atirador que jamais erra o alvo
Na opinião do jornalista, crítico mineiro, e prefeito de Ouro Preto, Angelo Oswaldo: “Um franco atirador que jamais erra o alvo”. Essa definição sintetiza bem quem foi o artista Arlindo Daibert, lembrando que ele enfatizava a individualidade como condição imprescindível numa época de padronização e massificação da própria subjetividade. “Também foi um incentivador de projetos à sua volta, na qualidade de professor da Universidade Federal de Juiz de Fora. E, como curador de exposições, alimentava o crescimento de valores novos, ao mesmo tempo em que reabastecia sua fonte para o desafio da criação”, assegura o jornalista.
Amigo particular e especial apreciador de sua obra, Angelo Oswaldo sempre considerou Daibert um dos mais importantes artistas da contemporaneidade brasileira. “A morte dele interrompeu uma trajetória que nos levaria definitivamente a uma das obras mais significativas do século XX”. O crítico ressalta que o artista foi responsável por ter colocado Juiz de Fora como um centro de referência de vanguarda no cenário artístico nacional.
Angelo Oswaldo aponta também a interação entre a literatura e a visualidade, ponto essencial da proposta artística de Arlindo. “Há um processo de integração entre a literatura e a visualidade - que ele soube resolver muito bem - em que a força da linguagem se transforma na grande energia autônoma da expressão visual. Ele conseguia extrair a poética da literatura e dar suporte à sua expressão visual, sem violentar a autonomia da imagem”.
A obra visual de Arlindo Daibert deve um tributo à literatura, mas é também autônoma, pois cria sua linguagem própria a partir de símbolos literários. “Dentro das artes plásticas brasileiras, talvez seja a obra mais intelectualizada, porque Arlindo trouxe para o campo da criação plástico-visual toda a sua rica cultura nas áreas de literatura, lingüística e filosofia”.
Daibert abordava de maneira singular, como desenhista, pintor, gravurista, criador de objetos e instalações, obras de autores como Mário de Andrade, Murilo Mendes, Guimarães Rosa e Lewis Carroll, entre outros. Além do legado artístico, em termos de acervo, Arlindo deixou um trabalho muito importante para a cultura de Minas e do Brasil, contribuindo, de modo especial, para a revalorização da obra literária de Murilo Mendes no país e para a vinda, de Portugal para o Brasil, de parte significante do acervo de desenhos e de pinturas da coleção do poeta, hoje abrigados no Museu de Arte Murilo Mendes, da Universidade Federal de Juiz de Fora.
Os 20 anos da morte de Arlindo Daibert (celebrados em 2013), foram marcados na Universidade Federal de Juiz de Fora, com uma série de eventos promovidos pela Pró-reitoria de Cultura, Museu de Arte Murilo Mendes e a Editora UFJF, no Museu de Arte Murilo Mendes (Rua Benjamin Constant, 790, Centro, Juiz de Fora). Entre eles, a exibição de vídeos na Galeria Poliedro, uma Mesa Redonda reunindo os pesquisadores Júlio Castañon Guimarães e Jorge Sanglard, tendo como mediador o professor e artista plástico Afonso Rodrigues, além da exposição “Arlindo Daibert 20 anos depois”, na Galeria Retratos-Relâmpago.
O cinquentenário da edição de GSV, em 2006, foi celebrado pela editora Nova Fronteira com o lançamento de três reedições da obra: uma versão popular; uma edição tradicional, que abriu a coleção Biblioteca do Estudante, na Bienal de São Paulo em março de 2006 e uma edição comemorativa com tiragem de 5 mil exemplares e projeto criado pela diretora teatral Bia Lessa. Este livro chegou ao mercado acompanhado de um catálogo da exposição sobre a obra, que Bia Lessa organizou também em março de 2006, no Museu da Língua Portuguesa, na Estação da Luz, em São Paulo , além de trazer um CD multimídia, com imagens e sons do sertão descrito pelo escritor Guimarães Rosa.
(*) Jorge Sanglard é jornalista e pesquisador.
2.8.16
Gilson Peranzzetta e Mauro Senise se apresentam na Casa Stefan Zweig no sábado, dia 6 de agosto
Apresentação única. O show vai rolar no sábado, dia 6 de agosto a partir das 17 horas, na Casa Stefan Zweig ( Rua Gonçalves Dias, 34, Duas Pontes - Petrópolis).
Faça sua reserva pelo telefone (24) 22454316. Garanta seu ingresso antecipadamente, ou por telefone ou na própria Casa Stefan Zweig, das 11 às 17 horas. (até sexta feira)
Ingressos: R$40 inteira e R$20 meia entrada.
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Faça sua reserva pelo telefone (24) 22454316. Garanta seu ingresso antecipadamente, ou por telefone ou na própria Casa Stefan Zweig, das 11 às 17 horas. (até sexta feira)
Ingressos: R$40 inteira e R$20 meia entrada.
31.7.16
25.7.16
Antonio Adolfo grava seu "depoimento para a posteridade" no Museu da Imagem e do Som
Nessa quarta-feira, dia 27, Antonio Adolfo participa da série "Depoimetos para a Posteridade" do MIS / Museu da Imagem e do Som.
Ele será entrevistado pelos jornalistas Antônio Carlos Miguel e Jorge Roberto Martins e pelos músicos Carlos Lyra e Mauro Senise.
O evento tem entrada franca e começa às 13h30, na sede do Museu da Imagem e do Som, na Praça XV (Praça Luiz Souza Dantas, 01). O auditório tem capacidade para 50 pessoas. Vale chegar cedo para garantir o lugar!
22.7.16
Lançamento de livro na Livraria Folha Seca: "Guanabara - Espelho do Rio"
Guanabara - Espelho do Rio é um livro de Custodio Coimbra e Cristina Chacel - ele, craque da fotografia e ela, do texto. O lançamento será na Livraria Folha Seca, no dia 26 de julho (terça-feira), a partir das 17,30 horas.
Vai rolar um som também, com roda de Samba temática de Tiago Prata e Luiz Antonio Simas.
A Livraria Folha Seca fica na Rua do Ouvidor, 37 - no centro do Rio.
Todo mundo lá!!!
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Vai rolar um som também, com roda de Samba temática de Tiago Prata e Luiz Antonio Simas.
A Livraria Folha Seca fica na Rua do Ouvidor, 37 - no centro do Rio.
Todo mundo lá!!!
30.6.16
26.6.16
Caricatura de Eva Green
Esta postagem contém SPOILER/Ainda no forno: esboço para caricatura de Eva Green, que viveu a personagem Vanessa Ives em Penny Dreadful. Parece que Ms. Ives retornou dos mortos e aderiu ao pessoal do Mal, deixando o pessoal de Londres em polvorosa. Salve-se quem puder!
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
16.6.16
Lançamento dos livros "Diários da Patinete" e "poemas do vai e vem" com debate na Casa Dirce Riedel
Lançamento e debate / Livros : "Diários da Patinete: sem um pé em Nova Iorque", de Lídia V. Santos/ "poemas do vai e vem", de Elias Fajardo.
O evento vai rolar no dia 30 de junho (quinta-feira) a partir das 19 horas na Casa de Leitura Dirce Cortes Riedel,na Rua das Palmeiras, 82 em Botafogo (telefone: 2334 8227).
Estarei com muito prazer e honra na mesa-redonda que vai conversar a respeito do tema "Escritor, Ilustrador e Leitor: a proposta triangular do livro ilustrado"
Veja o convite abaixo
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
O evento vai rolar no dia 30 de junho (quinta-feira) a partir das 19 horas na Casa de Leitura Dirce Cortes Riedel,na Rua das Palmeiras, 82 em Botafogo (telefone: 2334 8227).
Estarei com muito prazer e honra na mesa-redonda que vai conversar a respeito do tema "Escritor, Ilustrador e Leitor: a proposta triangular do livro ilustrado"
Veja o convite abaixo
4.6.16
Caricatura de Muhammad Ali (desenho rápido- lápis de cor)
“Float like a butterfly, sting like a bee. The hands can't hit what the eyes can't see.”
(Muhammad Ali)
(Clicar na imagem para ampliar e VER melhor)
(Muhammad Ali)
1.6.16
Lançamento de livro que conta a história de um brasileiro, anônimo e guerreiro
26.5.16
Caricatura de Miles Davis no dia do nascimento dele
No dia 26 de maio de 1926 nascia em Alton , Illinois (EUA), o genial Miles Davis - Aqui vai em forma de caricatura minha homenagem a ele.
Sua sua autobiografia Miles Davis - A autobiografia - (Miles The Aurobiography) - ditada a Quince Troupe, foi publicada no Brasil pela Editora Campus, em 1989 (tradução do meu saudoso amigo, o escritor Marcos Santarrita).
De cara, (no prólogo), o irreverente músico começa a falar o seguinte:"Ouça. A maior sensação de minha vida - vestido - foi quando ouvi pela primeira vez Diz (Dizzy Gillespie) e Bird (Charlie Parker)juntos em St. Louis, no Missouri, em 1944. Eu tinha dezoito anos, e acabara de me formar no Ginásio Lincoln, que ficava bem em frente, do outro lado do rio Mississipi, em East St. Louis, Illinois."
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Sua sua autobiografia Miles Davis - A autobiografia - (Miles The Aurobiography) - ditada a Quince Troupe, foi publicada no Brasil pela Editora Campus, em 1989 (tradução do meu saudoso amigo, o escritor Marcos Santarrita).
De cara, (no prólogo), o irreverente músico começa a falar o seguinte:"Ouça. A maior sensação de minha vida - vestido - foi quando ouvi pela primeira vez Diz (Dizzy Gillespie) e Bird (Charlie Parker)juntos em St. Louis, no Missouri, em 1944. Eu tinha dezoito anos, e acabara de me formar no Ginásio Lincoln, que ficava bem em frente, do outro lado do rio Mississipi, em East St. Louis, Illinois."
17.5.16
"Faíscas verbais - A genialidade na ponta da língua", lançamento do novo livro de Márcio Bueno
13.5.16
Novo lançamento do livro "Personagem cabal" e bate-papo na FLIST, a Festa Literária de Santa Teresa
Desta vez, neste domingo, 15/05, às 14h, no Café Literário, da Festa Literária de Santa Teresa, a FLIST, incluindo bate-papo "A sorte de Personagem" com o autor.
Do release:
"Personagem cabal" é um livro que harmoniza Fotografia e Literatura, compreendendo a edição de 100 fotografias do autor, que, comentadas por pequenos textos em prosa poética, criam a trajetória de vida de um(a) “personagem”. É ainda um exercício de recontextualização de imagens próprias do fotojornalismo (ou muito próximas dele), formando um jogo de dissensões que propõe (ou, ao menos, sugere) novas reflexões sobre o ser humano.
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Do release:
"Personagem cabal" é um livro que harmoniza Fotografia e Literatura, compreendendo a edição de 100 fotografias do autor, que, comentadas por pequenos textos em prosa poética, criam a trajetória de vida de um(a) “personagem”. É ainda um exercício de recontextualização de imagens próprias do fotojornalismo (ou muito próximas dele), formando um jogo de dissensões que propõe (ou, ao menos, sugere) novas reflexões sobre o ser humano.
Lançamento do CD do "Duodelá"/ Domingo, no Museu da Casa Brasileira
Recebi o seguinte texto-convite de Emiliano Castro:
Nosso álbum está saindo do forno! Estamos orgulhosos e ansiosos para compartilhar com vocês. O show de lançamento será num lugar muito especial e cheio de significado na nossa história.
Em maio de 2013, quando começávamos a desenhar o que seria o Duodelá, fizemos um show marcante neste mesmo palco. E agora, exatos três anos depois, voltaremos lá para mostrar o resultado deste trabalho, produzido em parceria com Thiago Cury/ ÁguaForte Produções.
O Museu da Casa Brasileira, além do enorme gramado rodeado de árvores, tem se firmado como ponto de grandes nomes da música aos domingos de manhã, num formato de programação rara e muito atraente: gratuita e dá para levar as crianças. Então será este o clima do nosso show de lançamento. Será uma alegria celebrar com vocês!
DOMINGO DIA 15 DE MAIO DE 2016 ÀS 11Hora /
Entrada gratuita
MUSEU DA CASA BRASILEIRA - Av. Brigadeiro Faria Lima, 2705 - Jardim Paulistano / São Paulo | Tel.: (11) 3032.3727 Acesso a pessoas com deficiência . Bicicletário com 40 vagas. Estacionamento pago no local.
Um forte abraço e nos vemos lá!
Duodelá | Vitor Lopes e Emiliano Castro
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
9.5.16
Miles Davis – 90 anos "O jazz na essência"
Por Jorge Sanglard*
Se não tivesse se encantado em 28 de setembro de 1991, há duas décadas e meia, Miles Davis estaria completando 90 anos no dia 26 de maio de 2016. Miles Davis (26/05/1926 – 28/09/1991) viveu buscando coisas novas pra tocar, novos desafios para suas ideias musicais e encarnou, como poucos, a história da música afro-americana improvisada. Sua trajetória é parte integrante e fundamental na evolução da linguagem jazzística ao longo do século XX e sua contribuição musical criou aberturas para além seu tempo. Durante quatro décadas e meia, Miles Davis contribuiu decisivamente para reformular as noções de harmonia e ritmo, nunca se atendo a rótulos. Por tudo isso, sua música não é fácil de ser codificada ou classificada e isso até foi motivo para irritá-lo: “Sempre achei que a música não tem fronteiras, limites ao seu crescimento, não tem nenhuma restrição à sua criatividade. A boa música é boa, independente do que seja. E sempre detestei categorias. Sempre. Nunca achei que isso tivesse lugar na música... Sempre quis apenas soprar minha corneta e criar música e arte, comunicar o que eu sentia por meio da música... Quando a gente cria sua própria arte, nem o céu é o limite”. Miles viveu pensando na criação e revelou: “A música é uma bênção e uma praga. Mas eu a amo, não queria que fosse de outra forma. A música sempre foi uma praga pra mim porque sempre me senti compelido a tocá-la. Sempre foi a primeira coisa em minha vida. Vem antes de tudo”.
A influência de Miles Davis como inovador e visionário foi decisiva na consolidação do jazz a partir da segunda metade do século XX, seja no cool, seja no pós bop, seja no modal, ou ainda na fusion e pode ser sentida até no break, no hip-hop e no rap. Mas o certo é que a matriz negra, o blues, sempre esteve presente em sua vida e também é certo que o jazz é uma linguagem musical cuja vitalidade está na essência da transformação. E aí, o que conta é a sensibilidade do criador e do improvisador, terreno onde Miles Davis sempre foi mestre, ou mais que isso, gênio. O espírito do jazz de Miles Davis está impregnado de blues e sua linguagem musical inovadora, a partir de frases inspiradas no blues, construiu uma sonoridade própria e transformadora. Para o trompetista, “a maneira de criar e transformar a música é tentar sempre inventar maneiras de tocar”. Afinal, “o mundo sempre foi mudança”, admitia. Portanto, o instrumentista incorporou ao som cortante e ao lirismo, ou à delicadeza, de seu trompete – base de sua concepção rítmica e harmônica – avanços rumo a novos caminhos, elaborando uma música para ouvir e para sentir. Sempre fiel à sua marca fundamental: “Eu toco simplesmente o necessário, nada além; apenas o essencial”.
Miles Davis deixou claro em sua trajetória que o silêncio é tão importante quanto o som. Com seus solos fragmentários – onde a tensão ronda cada fraseado – com as linhas melódicas sendo estendidas ao limite e sempre cercado de grandes instrumentistas, sustentando o clima denso e envolvente de sua música, o trompetista foi um dos criadores mais influentes do século XX. Em sua autobiografia, lançada no Brasil pela Editora Campus, em meados de 1991, três meses antes de sua morte, Miles revelaria: “pra eu tocar uma nota, ela tem de soar bem pra mim. Sempre fui assim. E a nota tem de estar no mesmo registro do acorde em que a toquei antes, pelo menos era assim. No bebop, todo mundo tocava muito rápido. Mas eu jamais gostei de tocar um monte de escalas e essa merda toda. Sempre tentei tocar as notas mais importantes do acorde, decompô-lo. Eu ouvia os músicos tocando todas aquelas escalas e nunca nada que a gente pudesse lembrar”.
De 1945 – como integrante do quinteto de Charlie ‘Bird’ Parker – a 1991, Miles Davis construiu uma sólida carreira musical e fonográfica, interrompida entre 1975 e 1981 para recuperação de um grave acidente automobilístico que o deixou com os dois tornozelos quebrados. Em três décadas, entre 1955 a 1985, Miles consolidou sua trajetória, mantendo a essência inovadora do jazz e articulando novas explorações sonoras. Ousado, inventivo e genial, Miles Davis desafiou o tempo com sua música impregnada de força e de criatividade. Miles encarnou parte da história do jazz e da música negra norte-americana e seu legado é parte integrante da evolução da própria música criativa da segunda metade do século XX.
O próprio Miles admitia: “Tive vários períodos criativos realmente férteis em minha vida. O primeiro foi de 1945 a 1949, o início. Depois quando deixei as drogas, 1954 a1960 foi um tempo musicalmente fértil... E 1964 a 1968 não foi tão ruim assim, mas eu diria que me alimentava muito das ideias musicais de Tony, Wayne e Herbie. O mesmo aconteceu quando fiz ‘Bitches Brew’ e ‘Live-Evil’, porque foi uma combinação de pessoas e coisas – Joe Zawinul, Paul Buckmaster e outros – e tudo que fiz foi reunir todos e compor umas poucas coisas”.
Em sua autobiografia, Miles afirmaria: “Sendo um rebelde negro e inconformista, sendo frio, elegante, irado, sofisticado e ultra limpo, como queiram chamar – eu era tudo isso e mais. Mas tocava o fino em meu trompete, e tinha um grande conjunto. Por isso, não consegui reconhecimento apenas pela imagem de rebelde. Tocava trompete e liderava o conjunto mais quente da praça, um conjunto criativo, imaginativo, super integrado e artístico. E isso, para mim, foi o motivo de conquistarmos o reconhecimento”.
Santíssima trindade do bebop
Dizzy Gillespie, Miles Davis e Charlie ‘Bird’ Parker encarnaram o Pai, o Filho e o Espírito Santo no bebop, uma verdadeira revolução que lançou as bases do jazz moderno. A linguagem do jazz, a partir do bebop, entre 1944 e 1949, foi alterada radicalmente seja melódica, seja rítmica e harmonicamente, determinando uma ruptura com o tradicional. O jazz, com o bebop, passou a ser arte e não mero divertimento. Ao contrário do swing, o bebop não servia para dançar, daí sua pouca penetração popular, e mesmo músicos em ascensão, como Bird, Dizzy e Miles, eram atingidos pelo preconceito contra a música negra.
Para Miles, o bebop foi mudança, foi revolução: “Se alguém quer seguir criando, tem de ser com mudança. Viver é uma aventura e um desafio”. Aos 18 anos, o jovem trompetista negro Miles Dewey Davis III, nascido em 26 de maio de 1926, em Alton, Illinois, pequena cidade ribeirinha do rio Mississipi, a cerca de 40 quilômetros ao norte de East St. Louis, encarou o desafio da música e chegou a Nova York, em setembro de 1944, “ainda verde em algumas coisas, como mulheres e drogas”, mas confiante em sua capacidade de tocar trompete.
O verdadeiro motivo da ida do músico para a Big Apple ou Grande Maçã era procurar Bird e Dizzy, que sacudiam o cenário do jazz com um novo caminho, a partir de seus improvisos sobre temas pré estabelecidos, articulando novas melodias e impulsionando a mudança da concepção rítmica, base da consolidação do jazz moderno. Assim, Miles foi para Nova York “para sugar tudo que pudesse” de lugares como a Minton’s Playhouse, no Harlem, e muitos outros na rua 52, que todo o mundo da música chamava de “A Rua”. O estudo na escola Juilliard era apenas uma cortina de fumaça, uma escala, uma desculpa que Miles usara para ir para perto de seus ídolos musicais. E Miles deixou claro isso em sua autobiografia: “Ouça. A maior sensação de minha vida – vestido – foi quando ouvi pela primeira vez Diz e Bird juntos em St. Louis, no Missouri, em 1944. Eu tinha 18 anos, e acabara de me formar no Ginásio Lincoln, que ficava bem em frente, do outro lado do rio Mississipi, em East St. Louis, Illinois”.
“Bird pode ter sido o espírito do bebop, mas Dizzy era ‘a cabeça e as mãos’, aquele que congregava tudo”, disse Miles Davis, que se tornaria a mais nova personagem da Santíssima Trindade do bebop. Estas e muitas outras revelações do mundo e do submundo do jazz estão nas 382 páginas de “Miles Davis – A Autobiografia”, um livro que provocou impacto devastador quando foi editado nos Estados Unidos no final de 1989 e que, no Brasil, ganhou tradução de Marcos Santarrita, em meados de 1991.
Numa linguagem direta e certeira, como a pegada de um boxeur peso pesado, o livro foi fruto da colaboração entre o trompetista e o jornalista, poeta e professor Quincy Troupe. Contundente e corrosivo, Miles traçou um painel multifacetado do universo jazzístico de 1944 a 1989, permeando cada passagem com uma riqueza de detalhes só possível a quem vivenciou e/ou mergulhou fundo no prazer e na dor que envolviam e vão continuar envolvendo a música.
Negro como a meia-noite
Sobrevivente de uma geração de expoentes do jazz que acreditava na afirmação de Charlie ‘Bird’ Parker, em 1953, “A música nunca irá parar. Continuará sempre caminhando para a frente”, Miles deixou claro: “Música não tem época; música é música”. Negro como a meia-noite, Miles Davis criou uma música impregnada da essência cultural afro-americana expressa pelo jazz e alinhavada com a matriz negra, o blues.
O ano de 1954 seria musicalmente muito importante para o trompetista, embora ele mesmo não compreendesse o quanto na época, segundo revelação em sua autobiografia. O disco “Birth of the Cool” foi um marco e lançou um feixe de luz sobre os novos caminhos trilhados por Miles e o arranjador Gil Evans. Esse disco tomara, segundo Miles, de algum modo, outra direção, mas viera basicamente do que Duke Ellington e Billy Strayhorn já haviam feito; apenas tornara a música “mais branca”, pra que os brancos a digerissem melhor.
Em 1955, Miles Davis deixaria a Prestige, onde tinha gravado discos fundamentais para consolidar a base de sua música, tendo Bob Weinstock como produtor, e passaria a gravar para a Columbia, inicialmente com o produtor George Avakian. O grupo formado por Miles e tendo Coltrane como uma referência tornou o trompetista e Trane lendários: “Esse grupo realmente me pôs no mapa do mundo musical, com todos os grandes discos que fizemos pra Prestige e, depois, pra Columbia Records”. O primeiro LP do trompetista gravado na Columbia foi “Round’ About Midnight”, ao lado de John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers e Philly Joe Jones, em sessões realizadas estúdio D, em Nova Iorque, em 26 de outubro de 1955, e no estúdio da Rua 30, em junho e setembro de 1956. De cara, Miles emplacaria um clássico na nova casa. E ele sintetizaria: “A Columbia representou pra mim uma abertura pela qual minha música podia passar pra chegar a mais ouvintes, e eu passei por essa porta quando ela se abriu e jamais olhei pra trás”.
Em maio de 1957, voltaria ao estúdio com Gil Evans para gravar “Miles Ahead” e diria: “Foi uma grande experiência voltar a trabalhar com Gil. A gente se via de vez em quando, depois de fazermos ‘Birth of the Cool’. Depois disso, falamos em nos reunir em outro disco, o que resultou na ideia da música de ‘Miles Ahead’. Como sempre, adorei trabalhar com Gil, porque ele era muito meticuloso e criativo, e eu confiava plenamente em seus arranjos musicais. Sempre formamos uma grande dupla musical, e realmente compreendi isso quando fizemos ‘Miles Ahead’”. Em fins de 1959, o trompetista iniciou também com o arranjador Gil Evans o disco “Sketches of Spain”, outra maratona sonora repleta de descobertas e plena de sentimento.
Durante três décadas, a trajetória de Miles Davis na Columbia, atual Sony, impulsionou o jazz para novos caminhos. Ali permaneceu até 1985-86 quando migrou para a Warner e abriu novas perspectivas em sua música.
Para marcar essa colaboração Miles-Columbia, no final de 2010, o selo Legacy, que cuida das reedições da Sony Music, lançou um banquete completo para os admiradores da música de Miles Davis: uma caixa contendo a coleção integral dos álbuns do trompetista, disponível na Amazon, ou na Columbia-Legacy. São nada mais nada menos que 70 CDs, um ensaio escrito por Frederic Goaty, anotações de Franck Bergerot sobre cada disco e um DVD, além de fotos raras. Um mergulho profundo na alma do jazz de Miles.
As ideias criativas nunca se esgotaram em Miles Davis, que afirmaria: “elas me saltavam da cabeça”. E arrematava: “Me dizem que meu som parece uma voz humana, e é isso que quero que seja”. Para Miles Davis, música e vida são estilo. E advertia: “É preciso ter estilo no que quer que se faça – literatura, música, pintura, moda, boxe, tudo. Alguns estilos são elegantes, criativos, imaginativos e inovadores, e outros não”. E o estilo de Miles foi tudo isso e muito mais. Como músico, sempre esteve na linha de frente do jazz e sempre buscou novas explorações e desafios. A chama ardente do jazz marcou sua trajetória. Como poucos, o trompetista incorporou a alma da música afro-americana improvisada e sua experimentação sonora é fruto desta vivência e parte essencial da evolução do jazz. Para ele, a música estava sempre mudando. E mudando por causa das épocas e da tecnologia disponível.
Uma obra-prima e ícone do jazz moderno
O disco "Kind of Blue", um ícone do jazz, completou 50 anos, em 2009, e ganhou reedição de luxo com dois CDs, incluindo faixas extras, documentário e entrevistas em DVD e um livreto pelo selo Columbia/Legacy, no Brasil Sony. A versão norte-americana trazia ainda um vinil de 180 g. As duas sessões de gravação do álbum foram realizadas em 2 de março e em 22 de abril de 1959 e o disco foi lançado em 17 de agosto de 1959. A expressão “Kind of Blue” pode ser traduzida como “um pouco triste”, ou “um pouco blue”. E “So What” – faixa inicial do álbum – pode ser traduzida como “E daí?”. Já a expressão “modal” significaria “de escalas”, ou seja, “toda música ou todo sistema diatônico que obedecesse a um padrão de uma única nota ‘tônica’ central seria modal”. Na verdade, Miles Davis utilizava estas expressões usualmente e, por isso mesmo, são reveladoras de como coisas simples podem significar muito.
No livro "Kind of Blue - A História da Obra-Prima de Miles Davis" (Editora Barracuda), o norte-americano Ashley Kahn, empreende um mergulho fundo em uma das criações mais inventivas do universo jazzístico e um divisor de águas na própria trajetória do trompetista. Prefaciado por Jimmy Cobb (20/01/1929), baterista e único músico vivo do sensacional sexteto de Miles Davis que atuou nas duas sessões de gravação de “Kind of Blue”, em 1959, o livro revela os bastidores das gravações e mostra porque este disco é considerado uma das mais significativas expressões musicais do século XX. O próprio Ashley Kahn afirma: “No santuário do jazz, ‘Kind of Blue’ é uma das relíquias sagradas”. No entanto, esclarece que “o álbum fez menos barulho quando saiu do que sua reputação atual poderia sugerir – fazendo sua mágica na música por meio da evolução, não da revolução”.
Miles Davis, em sua autobiografia, garante que “Kind of Blue” resultou da forma modal que começara em “Milestones”, mas desta vez, foi acrescentado outro tipo de som que lembrava o do Arkansas “quando voltávamos da igreja e o pessoal tocava aqueles hinos de igreja sensacionais. Me voltou aquele sentimento e comecei a me lembrar do som e da sensação daquela música. Era dessa sensação que eu tentava me aproximar. Aquela coisa entrara em meu sangue criativo, minha imaginação, e eu esquecera de que ela estava lá”. Assim, “compus um blues que tentava retornar àquela sensação que eu tivera aos seis anos de idade, andando com meu primo pela estrada escura do Arkansas. Compus uns cinco compassos disso, gravei e acrescentei uma espécie de som cortante na mixagem, porque essa era a única forma que eu tinha de entrar no solo do piano. Mas a gente compõe uma coisa e aí vêm outros caras, tocam a partir dela e a levam pra outro lado, através de sua criatividade e imaginação, e a gente não sabe mais pra onde achava que estava indo. Eu tentava fazer uma coisa e terminava fazendo outra”.
E Miles vai mais fundo na explicação sobre como gravou o histórico disco: “Não compus a música de ‘Kind of Blues’, apenas fiz uns esboços do que todos deviam tocar, pois queria espontaneidade na execução. Tudo saiu na primeira tomada, o que indica o nível em que o pessoal tocava. Foi lindo. Mas quando digo às pessoas que não consegui fazer o que tentava, que não consegui obter o som exato do piano de dedo africano naquele som, elas me olham como se eu estivesse doido. Todos dizem que o disco é uma obra-prima – eu também gostei – e acham que estou tentando goza-los. Mas foi isso que tentei fazer na maior parte desse disco, particularmente em ‘All Blues’ e ‘So What’. Simplesmente não consegui”.
Kahn afirma que o solo de Miles em “So What” demonstra duas vertentes fundamentais da sonoridade de seu trompete: “Seu gênio para a simplicidade. Há quase um exagero de economia em seu método, contornando sons prolongados e silêncios para obter um efeito irresistivelmente casual e um palpável senso dramático. A outra característica distinta de Miles é a referida tendência de adiantar o ritmo e jogar com as divisões”.
Mas uma das revelações mais marcantes de Kahn sobre “Kind of Blue” foi o efeito que a música criada pelo sexteto produziu em John Coltrane, apesar de toda a música de influência modal que Davis, Cannonball, Heath e, depois, Zavinul produziriam, “nenhum músico foi mais afetado pela experiência modal deste disco e nenhum seria mais influente do que John Coltrane”. E lança mão do biógrafo Lewis Porter para explicar: “O solo em ‘So What’ indica o rumo que a música de Coltrane tomaria nos anos 60, mais que ‘Giant Steps’. Ele se tornou cada vez mais preocupado com os aspectos estruturais da improvisação; com isso, se concentrou exclusivamente nos conhecimentos modais, o que deu a ele o tempo para desenvolver suas idéias minuciosamente”.
Ashley Kahn assegura na introdução do livro que, quando começou a pesquisa, a Sony Music forneceu pleno acesso a todas as informações, fotografias e gravações dos seus arquivos, além de facilitar o contato com antigos funcionários. Assim, “localizei relatórios das fitas e das sessões que revelavam a identidade da equipe de gravação que trabalhou em ‘Kind of Blue’, cuja maioria – assim como os membros do sexteto, com exceção do baterista Jimmy Cobb – não está mais entre nós. De conversas com engenheiros da Columbia da época, pude formar um quadro do que era trabalhar no 30th Street Studio, antiga igreja onde o álbum nasceu”.
E, para aproximar o leitor do efetivo processo de criação do álbum, Kahn lançou mão da transcrição e da discussão das sessões de gravação. O texto original da contracapa de Bill Evans – “Improvisação no jazz” – foi encontrado “impecavelmente escrito à mão e quase sem edição", assim como as fotografias do engenheiro de som Fred Plaut, “jamais publicadas e que mostram as notações musicais de um tema de estrutura modal”. Kahn afirma que o trompetista e Evans demonstraram, neste disco, ser dois exploradores musicais unidos por paixões e visões afins: “Eles compartilhavam um lirismo obsessivo e um fluxo melódico que mais sugeria do que manifestamente definia a estrutura musical”. Miles ao falar de Bill Evans demonstra todo seu sentimento: “Bill possuía aquela chama silenciosa que eu adorava no piano. Da forma como tocava, o som que ele extraía era como silvos de cristal ou água cintilante caindo de uma cachoeira limpa. Red conduzia o ritmo, mas Bill se entregava a ele...”.
O autor do livro também afirma na introdução que, além das informações obtidas na pesquisa, “fui sendo igualmente tomado pelos aspectos mais místicos do álbum”. “A lenda de sua criação pura, em takes únicos. A combinação alquímica de influências de música erudita e música folk. A interação da filosofia menos-é-mais de Miles e do estilo igualmente enxuto de Bill Evans com o restante da banda, mais eloquente. O drama de Davis, que, movido pela interminável busca por novos estilos, criava uma obra-prima para então abandoná-la em favor de uma próxima empreitada. Fui desafiado a examinar o que havia de verdadeiro na mitologia do disco. Todo o álbum teria sido de fato improvisado, e não planejado? Miles realmente compôs tudo? ‘Kind of Blue’ mudou o território do jazz para sempre e, em caso positivo, como? Para fazer justiça ao álbum, eu precisava me transportar ao tempo e ao lugar que o gestaram”.
Ponte entre o jazz e o rock
Os 46 anos do lançamento de “Bitches Brew”, um dos discos mais inusitados e controversos de Miles Davis, são celebrados em 2016. Marco da fusão jazz - rock’n’roll nos anos 1970, o álbum foi um divisor de águas na trajetória de Miles e impulsionou o que passou a ser chamado de jazz-fusion. O trompetista revelava: “O sintetizador mudou tudo, quer os músicos puritanos gostem ou não. Veio para ficar, e a gente pode curtir ou não”. Em 2010, foi lançada uma edição comemorativa, em dois CDs, reunindo as gravações originais remasterizadas e duas versões de estúdio até então inéditas. Além disso, incluiu um DVD, onde Miles está acompanhado por Wayne Shorter (saxofone), Chick Corea (piano), Dave Holland (baixo) e Jack DeJohnette (bateria), em Copenhague, em novembro de 1969, no Festival Tivoli Konsertsal.
Enfim, o mundo da música agradece a contribuição de Miles Davis para tornar melhor o século XX e esta primeira década e meia de século XXI.
* * *
*Jorge Sanglard é jornalista e pesquisador. Escreve em jornais de Portugal e do Brasil.
Se não tivesse se encantado em 28 de setembro de 1991, há duas décadas e meia, Miles Davis estaria completando 90 anos no dia 26 de maio de 2016. Miles Davis (26/05/1926 – 28/09/1991) viveu buscando coisas novas pra tocar, novos desafios para suas ideias musicais e encarnou, como poucos, a história da música afro-americana improvisada. Sua trajetória é parte integrante e fundamental na evolução da linguagem jazzística ao longo do século XX e sua contribuição musical criou aberturas para além seu tempo. Durante quatro décadas e meia, Miles Davis contribuiu decisivamente para reformular as noções de harmonia e ritmo, nunca se atendo a rótulos. Por tudo isso, sua música não é fácil de ser codificada ou classificada e isso até foi motivo para irritá-lo: “Sempre achei que a música não tem fronteiras, limites ao seu crescimento, não tem nenhuma restrição à sua criatividade. A boa música é boa, independente do que seja. E sempre detestei categorias. Sempre. Nunca achei que isso tivesse lugar na música... Sempre quis apenas soprar minha corneta e criar música e arte, comunicar o que eu sentia por meio da música... Quando a gente cria sua própria arte, nem o céu é o limite”. Miles viveu pensando na criação e revelou: “A música é uma bênção e uma praga. Mas eu a amo, não queria que fosse de outra forma. A música sempre foi uma praga pra mim porque sempre me senti compelido a tocá-la. Sempre foi a primeira coisa em minha vida. Vem antes de tudo”.
A influência de Miles Davis como inovador e visionário foi decisiva na consolidação do jazz a partir da segunda metade do século XX, seja no cool, seja no pós bop, seja no modal, ou ainda na fusion e pode ser sentida até no break, no hip-hop e no rap. Mas o certo é que a matriz negra, o blues, sempre esteve presente em sua vida e também é certo que o jazz é uma linguagem musical cuja vitalidade está na essência da transformação. E aí, o que conta é a sensibilidade do criador e do improvisador, terreno onde Miles Davis sempre foi mestre, ou mais que isso, gênio. O espírito do jazz de Miles Davis está impregnado de blues e sua linguagem musical inovadora, a partir de frases inspiradas no blues, construiu uma sonoridade própria e transformadora. Para o trompetista, “a maneira de criar e transformar a música é tentar sempre inventar maneiras de tocar”. Afinal, “o mundo sempre foi mudança”, admitia. Portanto, o instrumentista incorporou ao som cortante e ao lirismo, ou à delicadeza, de seu trompete – base de sua concepção rítmica e harmônica – avanços rumo a novos caminhos, elaborando uma música para ouvir e para sentir. Sempre fiel à sua marca fundamental: “Eu toco simplesmente o necessário, nada além; apenas o essencial”.
Miles Davis deixou claro em sua trajetória que o silêncio é tão importante quanto o som. Com seus solos fragmentários – onde a tensão ronda cada fraseado – com as linhas melódicas sendo estendidas ao limite e sempre cercado de grandes instrumentistas, sustentando o clima denso e envolvente de sua música, o trompetista foi um dos criadores mais influentes do século XX. Em sua autobiografia, lançada no Brasil pela Editora Campus, em meados de 1991, três meses antes de sua morte, Miles revelaria: “pra eu tocar uma nota, ela tem de soar bem pra mim. Sempre fui assim. E a nota tem de estar no mesmo registro do acorde em que a toquei antes, pelo menos era assim. No bebop, todo mundo tocava muito rápido. Mas eu jamais gostei de tocar um monte de escalas e essa merda toda. Sempre tentei tocar as notas mais importantes do acorde, decompô-lo. Eu ouvia os músicos tocando todas aquelas escalas e nunca nada que a gente pudesse lembrar”.
De 1945 – como integrante do quinteto de Charlie ‘Bird’ Parker – a 1991, Miles Davis construiu uma sólida carreira musical e fonográfica, interrompida entre 1975 e 1981 para recuperação de um grave acidente automobilístico que o deixou com os dois tornozelos quebrados. Em três décadas, entre 1955 a 1985, Miles consolidou sua trajetória, mantendo a essência inovadora do jazz e articulando novas explorações sonoras. Ousado, inventivo e genial, Miles Davis desafiou o tempo com sua música impregnada de força e de criatividade. Miles encarnou parte da história do jazz e da música negra norte-americana e seu legado é parte integrante da evolução da própria música criativa da segunda metade do século XX.
O próprio Miles admitia: “Tive vários períodos criativos realmente férteis em minha vida. O primeiro foi de 1945 a 1949, o início. Depois quando deixei as drogas, 1954 a1960 foi um tempo musicalmente fértil... E 1964 a 1968 não foi tão ruim assim, mas eu diria que me alimentava muito das ideias musicais de Tony, Wayne e Herbie. O mesmo aconteceu quando fiz ‘Bitches Brew’ e ‘Live-Evil’, porque foi uma combinação de pessoas e coisas – Joe Zawinul, Paul Buckmaster e outros – e tudo que fiz foi reunir todos e compor umas poucas coisas”.
Em sua autobiografia, Miles afirmaria: “Sendo um rebelde negro e inconformista, sendo frio, elegante, irado, sofisticado e ultra limpo, como queiram chamar – eu era tudo isso e mais. Mas tocava o fino em meu trompete, e tinha um grande conjunto. Por isso, não consegui reconhecimento apenas pela imagem de rebelde. Tocava trompete e liderava o conjunto mais quente da praça, um conjunto criativo, imaginativo, super integrado e artístico. E isso, para mim, foi o motivo de conquistarmos o reconhecimento”.
Santíssima trindade do bebop
Dizzy Gillespie, Miles Davis e Charlie ‘Bird’ Parker encarnaram o Pai, o Filho e o Espírito Santo no bebop, uma verdadeira revolução que lançou as bases do jazz moderno. A linguagem do jazz, a partir do bebop, entre 1944 e 1949, foi alterada radicalmente seja melódica, seja rítmica e harmonicamente, determinando uma ruptura com o tradicional. O jazz, com o bebop, passou a ser arte e não mero divertimento. Ao contrário do swing, o bebop não servia para dançar, daí sua pouca penetração popular, e mesmo músicos em ascensão, como Bird, Dizzy e Miles, eram atingidos pelo preconceito contra a música negra.
Para Miles, o bebop foi mudança, foi revolução: “Se alguém quer seguir criando, tem de ser com mudança. Viver é uma aventura e um desafio”. Aos 18 anos, o jovem trompetista negro Miles Dewey Davis III, nascido em 26 de maio de 1926, em Alton, Illinois, pequena cidade ribeirinha do rio Mississipi, a cerca de 40 quilômetros ao norte de East St. Louis, encarou o desafio da música e chegou a Nova York, em setembro de 1944, “ainda verde em algumas coisas, como mulheres e drogas”, mas confiante em sua capacidade de tocar trompete.
O verdadeiro motivo da ida do músico para a Big Apple ou Grande Maçã era procurar Bird e Dizzy, que sacudiam o cenário do jazz com um novo caminho, a partir de seus improvisos sobre temas pré estabelecidos, articulando novas melodias e impulsionando a mudança da concepção rítmica, base da consolidação do jazz moderno. Assim, Miles foi para Nova York “para sugar tudo que pudesse” de lugares como a Minton’s Playhouse, no Harlem, e muitos outros na rua 52, que todo o mundo da música chamava de “A Rua”. O estudo na escola Juilliard era apenas uma cortina de fumaça, uma escala, uma desculpa que Miles usara para ir para perto de seus ídolos musicais. E Miles deixou claro isso em sua autobiografia: “Ouça. A maior sensação de minha vida – vestido – foi quando ouvi pela primeira vez Diz e Bird juntos em St. Louis, no Missouri, em 1944. Eu tinha 18 anos, e acabara de me formar no Ginásio Lincoln, que ficava bem em frente, do outro lado do rio Mississipi, em East St. Louis, Illinois”.
“Bird pode ter sido o espírito do bebop, mas Dizzy era ‘a cabeça e as mãos’, aquele que congregava tudo”, disse Miles Davis, que se tornaria a mais nova personagem da Santíssima Trindade do bebop. Estas e muitas outras revelações do mundo e do submundo do jazz estão nas 382 páginas de “Miles Davis – A Autobiografia”, um livro que provocou impacto devastador quando foi editado nos Estados Unidos no final de 1989 e que, no Brasil, ganhou tradução de Marcos Santarrita, em meados de 1991.
Numa linguagem direta e certeira, como a pegada de um boxeur peso pesado, o livro foi fruto da colaboração entre o trompetista e o jornalista, poeta e professor Quincy Troupe. Contundente e corrosivo, Miles traçou um painel multifacetado do universo jazzístico de 1944 a 1989, permeando cada passagem com uma riqueza de detalhes só possível a quem vivenciou e/ou mergulhou fundo no prazer e na dor que envolviam e vão continuar envolvendo a música.
Sobrevivente de uma geração de expoentes do jazz que acreditava na afirmação de Charlie ‘Bird’ Parker, em 1953, “A música nunca irá parar. Continuará sempre caminhando para a frente”, Miles deixou claro: “Música não tem época; música é música”. Negro como a meia-noite, Miles Davis criou uma música impregnada da essência cultural afro-americana expressa pelo jazz e alinhavada com a matriz negra, o blues.
O ano de 1954 seria musicalmente muito importante para o trompetista, embora ele mesmo não compreendesse o quanto na época, segundo revelação em sua autobiografia. O disco “Birth of the Cool” foi um marco e lançou um feixe de luz sobre os novos caminhos trilhados por Miles e o arranjador Gil Evans. Esse disco tomara, segundo Miles, de algum modo, outra direção, mas viera basicamente do que Duke Ellington e Billy Strayhorn já haviam feito; apenas tornara a música “mais branca”, pra que os brancos a digerissem melhor.
Em 1955, Miles Davis deixaria a Prestige, onde tinha gravado discos fundamentais para consolidar a base de sua música, tendo Bob Weinstock como produtor, e passaria a gravar para a Columbia, inicialmente com o produtor George Avakian. O grupo formado por Miles e tendo Coltrane como uma referência tornou o trompetista e Trane lendários: “Esse grupo realmente me pôs no mapa do mundo musical, com todos os grandes discos que fizemos pra Prestige e, depois, pra Columbia Records”. O primeiro LP do trompetista gravado na Columbia foi “Round’ About Midnight”, ao lado de John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers e Philly Joe Jones, em sessões realizadas estúdio D, em Nova Iorque, em 26 de outubro de 1955, e no estúdio da Rua 30, em junho e setembro de 1956. De cara, Miles emplacaria um clássico na nova casa. E ele sintetizaria: “A Columbia representou pra mim uma abertura pela qual minha música podia passar pra chegar a mais ouvintes, e eu passei por essa porta quando ela se abriu e jamais olhei pra trás”.
Em maio de 1957, voltaria ao estúdio com Gil Evans para gravar “Miles Ahead” e diria: “Foi uma grande experiência voltar a trabalhar com Gil. A gente se via de vez em quando, depois de fazermos ‘Birth of the Cool’. Depois disso, falamos em nos reunir em outro disco, o que resultou na ideia da música de ‘Miles Ahead’. Como sempre, adorei trabalhar com Gil, porque ele era muito meticuloso e criativo, e eu confiava plenamente em seus arranjos musicais. Sempre formamos uma grande dupla musical, e realmente compreendi isso quando fizemos ‘Miles Ahead’”. Em fins de 1959, o trompetista iniciou também com o arranjador Gil Evans o disco “Sketches of Spain”, outra maratona sonora repleta de descobertas e plena de sentimento.
Durante três décadas, a trajetória de Miles Davis na Columbia, atual Sony, impulsionou o jazz para novos caminhos. Ali permaneceu até 1985-86 quando migrou para a Warner e abriu novas perspectivas em sua música.
Para marcar essa colaboração Miles-Columbia, no final de 2010, o selo Legacy, que cuida das reedições da Sony Music, lançou um banquete completo para os admiradores da música de Miles Davis: uma caixa contendo a coleção integral dos álbuns do trompetista, disponível na Amazon, ou na Columbia-Legacy. São nada mais nada menos que 70 CDs, um ensaio escrito por Frederic Goaty, anotações de Franck Bergerot sobre cada disco e um DVD, além de fotos raras. Um mergulho profundo na alma do jazz de Miles.
As ideias criativas nunca se esgotaram em Miles Davis, que afirmaria: “elas me saltavam da cabeça”. E arrematava: “Me dizem que meu som parece uma voz humana, e é isso que quero que seja”. Para Miles Davis, música e vida são estilo. E advertia: “É preciso ter estilo no que quer que se faça – literatura, música, pintura, moda, boxe, tudo. Alguns estilos são elegantes, criativos, imaginativos e inovadores, e outros não”. E o estilo de Miles foi tudo isso e muito mais. Como músico, sempre esteve na linha de frente do jazz e sempre buscou novas explorações e desafios. A chama ardente do jazz marcou sua trajetória. Como poucos, o trompetista incorporou a alma da música afro-americana improvisada e sua experimentação sonora é fruto desta vivência e parte essencial da evolução do jazz. Para ele, a música estava sempre mudando. E mudando por causa das épocas e da tecnologia disponível.
Uma obra-prima e ícone do jazz moderno
O disco "Kind of Blue", um ícone do jazz, completou 50 anos, em 2009, e ganhou reedição de luxo com dois CDs, incluindo faixas extras, documentário e entrevistas em DVD e um livreto pelo selo Columbia/Legacy, no Brasil Sony. A versão norte-americana trazia ainda um vinil de 180 g. As duas sessões de gravação do álbum foram realizadas em 2 de março e em 22 de abril de 1959 e o disco foi lançado em 17 de agosto de 1959. A expressão “Kind of Blue” pode ser traduzida como “um pouco triste”, ou “um pouco blue”. E “So What” – faixa inicial do álbum – pode ser traduzida como “E daí?”. Já a expressão “modal” significaria “de escalas”, ou seja, “toda música ou todo sistema diatônico que obedecesse a um padrão de uma única nota ‘tônica’ central seria modal”. Na verdade, Miles Davis utilizava estas expressões usualmente e, por isso mesmo, são reveladoras de como coisas simples podem significar muito.
No livro "Kind of Blue - A História da Obra-Prima de Miles Davis" (Editora Barracuda), o norte-americano Ashley Kahn, empreende um mergulho fundo em uma das criações mais inventivas do universo jazzístico e um divisor de águas na própria trajetória do trompetista. Prefaciado por Jimmy Cobb (20/01/1929), baterista e único músico vivo do sensacional sexteto de Miles Davis que atuou nas duas sessões de gravação de “Kind of Blue”, em 1959, o livro revela os bastidores das gravações e mostra porque este disco é considerado uma das mais significativas expressões musicais do século XX. O próprio Ashley Kahn afirma: “No santuário do jazz, ‘Kind of Blue’ é uma das relíquias sagradas”. No entanto, esclarece que “o álbum fez menos barulho quando saiu do que sua reputação atual poderia sugerir – fazendo sua mágica na música por meio da evolução, não da revolução”.
Miles Davis, em sua autobiografia, garante que “Kind of Blue” resultou da forma modal que começara em “Milestones”, mas desta vez, foi acrescentado outro tipo de som que lembrava o do Arkansas “quando voltávamos da igreja e o pessoal tocava aqueles hinos de igreja sensacionais. Me voltou aquele sentimento e comecei a me lembrar do som e da sensação daquela música. Era dessa sensação que eu tentava me aproximar. Aquela coisa entrara em meu sangue criativo, minha imaginação, e eu esquecera de que ela estava lá”. Assim, “compus um blues que tentava retornar àquela sensação que eu tivera aos seis anos de idade, andando com meu primo pela estrada escura do Arkansas. Compus uns cinco compassos disso, gravei e acrescentei uma espécie de som cortante na mixagem, porque essa era a única forma que eu tinha de entrar no solo do piano. Mas a gente compõe uma coisa e aí vêm outros caras, tocam a partir dela e a levam pra outro lado, através de sua criatividade e imaginação, e a gente não sabe mais pra onde achava que estava indo. Eu tentava fazer uma coisa e terminava fazendo outra”.
Kahn afirma que o solo de Miles em “So What” demonstra duas vertentes fundamentais da sonoridade de seu trompete: “Seu gênio para a simplicidade. Há quase um exagero de economia em seu método, contornando sons prolongados e silêncios para obter um efeito irresistivelmente casual e um palpável senso dramático. A outra característica distinta de Miles é a referida tendência de adiantar o ritmo e jogar com as divisões”.
Mas uma das revelações mais marcantes de Kahn sobre “Kind of Blue” foi o efeito que a música criada pelo sexteto produziu em John Coltrane, apesar de toda a música de influência modal que Davis, Cannonball, Heath e, depois, Zavinul produziriam, “nenhum músico foi mais afetado pela experiência modal deste disco e nenhum seria mais influente do que John Coltrane”. E lança mão do biógrafo Lewis Porter para explicar: “O solo em ‘So What’ indica o rumo que a música de Coltrane tomaria nos anos 60, mais que ‘Giant Steps’. Ele se tornou cada vez mais preocupado com os aspectos estruturais da improvisação; com isso, se concentrou exclusivamente nos conhecimentos modais, o que deu a ele o tempo para desenvolver suas idéias minuciosamente”.
Ashley Kahn assegura na introdução do livro que, quando começou a pesquisa, a Sony Music forneceu pleno acesso a todas as informações, fotografias e gravações dos seus arquivos, além de facilitar o contato com antigos funcionários. Assim, “localizei relatórios das fitas e das sessões que revelavam a identidade da equipe de gravação que trabalhou em ‘Kind of Blue’, cuja maioria – assim como os membros do sexteto, com exceção do baterista Jimmy Cobb – não está mais entre nós. De conversas com engenheiros da Columbia da época, pude formar um quadro do que era trabalhar no 30th Street Studio, antiga igreja onde o álbum nasceu”.
E, para aproximar o leitor do efetivo processo de criação do álbum, Kahn lançou mão da transcrição e da discussão das sessões de gravação. O texto original da contracapa de Bill Evans – “Improvisação no jazz” – foi encontrado “impecavelmente escrito à mão e quase sem edição", assim como as fotografias do engenheiro de som Fred Plaut, “jamais publicadas e que mostram as notações musicais de um tema de estrutura modal”. Kahn afirma que o trompetista e Evans demonstraram, neste disco, ser dois exploradores musicais unidos por paixões e visões afins: “Eles compartilhavam um lirismo obsessivo e um fluxo melódico que mais sugeria do que manifestamente definia a estrutura musical”. Miles ao falar de Bill Evans demonstra todo seu sentimento: “Bill possuía aquela chama silenciosa que eu adorava no piano. Da forma como tocava, o som que ele extraía era como silvos de cristal ou água cintilante caindo de uma cachoeira limpa. Red conduzia o ritmo, mas Bill se entregava a ele...”.
O autor do livro também afirma na introdução que, além das informações obtidas na pesquisa, “fui sendo igualmente tomado pelos aspectos mais místicos do álbum”. “A lenda de sua criação pura, em takes únicos. A combinação alquímica de influências de música erudita e música folk. A interação da filosofia menos-é-mais de Miles e do estilo igualmente enxuto de Bill Evans com o restante da banda, mais eloquente. O drama de Davis, que, movido pela interminável busca por novos estilos, criava uma obra-prima para então abandoná-la em favor de uma próxima empreitada. Fui desafiado a examinar o que havia de verdadeiro na mitologia do disco. Todo o álbum teria sido de fato improvisado, e não planejado? Miles realmente compôs tudo? ‘Kind of Blue’ mudou o território do jazz para sempre e, em caso positivo, como? Para fazer justiça ao álbum, eu precisava me transportar ao tempo e ao lugar que o gestaram”.
Ponte entre o jazz e o rock
Os 46 anos do lançamento de “Bitches Brew”, um dos discos mais inusitados e controversos de Miles Davis, são celebrados em 2016. Marco da fusão jazz - rock’n’roll nos anos 1970, o álbum foi um divisor de águas na trajetória de Miles e impulsionou o que passou a ser chamado de jazz-fusion. O trompetista revelava: “O sintetizador mudou tudo, quer os músicos puritanos gostem ou não. Veio para ficar, e a gente pode curtir ou não”. Em 2010, foi lançada uma edição comemorativa, em dois CDs, reunindo as gravações originais remasterizadas e duas versões de estúdio até então inéditas. Além disso, incluiu um DVD, onde Miles está acompanhado por Wayne Shorter (saxofone), Chick Corea (piano), Dave Holland (baixo) e Jack DeJohnette (bateria), em Copenhague, em novembro de 1969, no Festival Tivoli Konsertsal.
Enfim, o mundo da música agradece a contribuição de Miles Davis para tornar melhor o século XX e esta primeira década e meia de século XXI.
* * *
*Jorge Sanglard é jornalista e pesquisador. Escreve em jornais de Portugal e do Brasil.
6.5.16
Lançamento do livro "Personagem Cabal"
O grande fotógrafo e escritor Guina Araújo Ramos lança seu livro Personagem Cabal no sábado no dia 7 de maio, a partir das 17 horas, nos Arcos da Lapa, dentro do evento "Lapalê".
Diante da paisagem e do simbolismo local, o autor aproveita a ocasião para relançar também um outro livro que tem tudo a ver: "Rio Só de Amores" - contos em torno de dois grandes motivos: o Rio de Janeiro e o amor".
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Diante da paisagem e do simbolismo local, o autor aproveita a ocasião para relançar também um outro livro que tem tudo a ver: "Rio Só de Amores" - contos em torno de dois grandes motivos: o Rio de Janeiro e o amor".
4.5.16
Saindo do forno: novo CD "Tropical Infinito"de Antonio Adolfo
Não paro de ouvir esse novo CD de Antonio Adolfo.
"Infinito Tropical" é como entrar numa gafieira, com tudo que você tem direito - uma "orquestra" com pegada, à meia luz, uma cerveja super-gelada e rodopiar no salão, sem medo de ser feliz!
Esse CD é uma obra-prima!!!!
Aqui vai a capa e a contracapa desse CD. Tive a honra e o prazer de fazer a ilustração. O design é de Julia Liberati.
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
O CD Infinito Tropical acaba de ter um lançamento global: está disponível na Europa: França, Itália, Polônia, Russia, Alemanha, Suécia, Dinamarca, Portugal…..
Na Ásia: Japão, China, Korea, Vietnam …
Na Oceania: Australia, Nova Zelândia...
No continente africano:Africa do Sul
Aqui no nosso continente: Argentina,
Importante informar que a distribuição em vários desses países é feita pela Amazon e ITUnes, principalmente.
Por enquanto, os brasileiros podem comprar pelo CDBaby Rob Digital (físico), Itunes (download).
A Rob Digital vai estar vendendo (discos físicos) a partir da próxima semana pelo seu próprio site (www.robdigital.com.br). Você pode encontrar também nas Livrarias Travessa, Cultura, principalmente.
Aqui vão os links de algumas resenhas já publicadas:
http://musicabrasileira.org/antonio-adolfo-tropical-infinito/ (em inglês , escrito por Egidio Leitao)
http://blogcritics.org/music-reviews-brazilian-jazz-from-antonio-adolfo-and-carol-saboya/ (em inglês)
http://elderlythespian.blogspot.com.br/2016/04/brazilian-jazz-from-antonio-adolfo-and.html (em inglês- escrito pelo Professor Jack Goodstein, que já trabalhou na California University of Pennsylvania)
http://www.musiczoom.it/?p=25733#.Vyn8SnBsczB (em italiano)
http:
//longplayrecenzje.blox.pl/2016/04/Antonio-ADOLFO-Tropical-Infinito-2016.html (em polonês)
E tem esta avaliação de Chris Spector : CD Tropical Infinito, by Chris Spector - Midwest Records
ANTONIO ADOLFO/Tropical Infinito: They say the music of your teen years is what really sticks with you. When still a jazz loving teen, Adolfo ate Norman Granz and Alfred Lion record for breakfast and invited his pals over to partake. The horns on all those records had a heavy influence on him. Now with time to explore his roots again, Adolfo takes it back to the early 60s to dust off those vibes and powder them with a Brazilian perspective. Since Granz was making bossa nova safe for gringos, Adolfo probably felt about that the way we felt about the Brits ripping off our blues and selling it back to us in amped up, sanitized fashion. Forget all that gibberish, this record smokes. You’ve never heard such a cool version of “Killer Joe’ and that’s just the track that kicks it all off. This is a party record for the ages and it’s killer stuff throughout.
"Infinito Tropical" é como entrar numa gafieira, com tudo que você tem direito - uma "orquestra" com pegada, à meia luz, uma cerveja super-gelada e rodopiar no salão, sem medo de ser feliz!
Esse CD é uma obra-prima!!!!
Aqui vai a capa e a contracapa desse CD. Tive a honra e o prazer de fazer a ilustração. O design é de Julia Liberati.
O CD Infinito Tropical acaba de ter um lançamento global: está disponível na Europa: França, Itália, Polônia, Russia, Alemanha, Suécia, Dinamarca, Portugal…..
Na Ásia: Japão, China, Korea, Vietnam …
Na Oceania: Australia, Nova Zelândia...
No continente africano:Africa do Sul
Aqui no nosso continente: Argentina,
Importante informar que a distribuição em vários desses países é feita pela Amazon e ITUnes, principalmente.
Por enquanto, os brasileiros podem comprar pelo CDBaby Rob Digital (físico), Itunes (download).
A Rob Digital vai estar vendendo (discos físicos) a partir da próxima semana pelo seu próprio site (www.robdigital.com.br). Você pode encontrar também nas Livrarias Travessa, Cultura, principalmente.
Aqui vão os links de algumas resenhas já publicadas:
http://musicabrasileira.org/antonio-adolfo-tropical-infinito/ (em inglês , escrito por Egidio Leitao)
http://blogcritics.org/music-reviews-brazilian-jazz-from-antonio-adolfo-and-carol-saboya/ (em inglês)
http://elderlythespian.blogspot.com.br/2016/04/brazilian-jazz-from-antonio-adolfo-and.html (em inglês- escrito pelo Professor Jack Goodstein, que já trabalhou na California University of Pennsylvania)
http://www.musiczoom.it/?p=25733#.Vyn8SnBsczB (em italiano)
http:
//longplayrecenzje.blox.pl/2016/04/Antonio-ADOLFO-Tropical-Infinito-2016.html (em polonês)
E tem esta avaliação de Chris Spector : CD Tropical Infinito, by Chris Spector - Midwest Records
ANTONIO ADOLFO/Tropical Infinito: They say the music of your teen years is what really sticks with you. When still a jazz loving teen, Adolfo ate Norman Granz and Alfred Lion record for breakfast and invited his pals over to partake. The horns on all those records had a heavy influence on him. Now with time to explore his roots again, Adolfo takes it back to the early 60s to dust off those vibes and powder them with a Brazilian perspective. Since Granz was making bossa nova safe for gringos, Adolfo probably felt about that the way we felt about the Brits ripping off our blues and selling it back to us in amped up, sanitized fashion. Forget all that gibberish, this record smokes. You’ve never heard such a cool version of “Killer Joe’ and that’s just the track that kicks it all off. This is a party record for the ages and it’s killer stuff throughout.
2.5.16
26.4.16
Continua ciclo de palestras que fala do Modernismo (da Belle Époque às Guerras Mundiais)
Recebi um release de uma amiga para divulgar esse evento e vai para a tela como recebi, sem edição:
Modernismo: da Belle Époque às Guerras Mundiais é o tema de doze palestras.
Organizadas em módulos – História, Literatura, Música e Artes Plásticas – o Ciclo de Palestras “Modernismo: da Belle Époque às Guerras Mundiais” continuará no próximo dia 28 de abril com a professora Amélia Lacombe, presença também dias 05 e 12 de maio.
Virão, em seguida, o maestro Ricardo Prado e Vera Siqueira, respectivamente, em maio e junho. O ciclo começou em 31 de março se prolongando até 30 de junho toda 5ª feira das 18h30 às 20h30, no Centro Loyola, na Gávea.
As cidades modernas, as Guerras Mundiais e os conceitos de Moderno e Modernidade foram alguns dos temas abordados em História pela profa. Claudia Heynemann permitindo uma maior compreensão do que será tratado nas palestras seguintes pela profa Amélia Lacombe em Literatura: a ruptura com a poesia tradicional; os “ismos” – Surrealismo, Dadaismo e Interseccionismo. Sá-Carneiro, Fernando Pessoa e seus heterônimos.
Pelo maestro Ricardo Prado em Música: a fragmentação das músicas. Os herdeiros de Wagner e Verdi. Ritos impossíveis e o jazz. Stravinsky e Shostakovich. E, finalmente, em Artes Plásticas pela profa. Vera Siqueira: conceitos e marcos do Modernismo na Arte. Matisse e Picasso. Dadaísmo e Surrealismo. A crise da vanguarda pós-guerra.
Local: Centro Loyola. Estrada da Gávea 1
Informações e inscrições: (21) 3689.4869 vagalumeconsultoriaeventos@outlook.com
Mini currículos dos palestrantes
AMÉLIA LACOMBE : Livre-Docente em Letras pela UFF. Professora de Literatura Brasileira e Portuguesa. Criou o Centro Unificado Profissional – CUP e o Colégio Don Quixote. Escritora. Responsável e autora da Coleção Conhecendo Nossos Clássicos da AGIR.
RICARDO PRADO: maestro premiado. Regente de diferentes corais e orquestras no Brasil e no exterior. Criador do OPUS Rio. Foi Diretor da Escola de Música Villa-Lobos. Criou o Programa Repertórios de Educação Musical.
VERA SIQUEIRA: Doutora em História da Arte. Professora associada do Instituto de Artes da UERJ. Curador de exposições em diferentes instituições como MAM, Paço Imperial, Museu Lasar Segall. Autora de livros sobre arte brasileira moderna e contemporânea.
Belle Époque : período compreendido entre o final do século XIX (mais ou menos 1870) e o início da Primeira Grande Guerra (1914). Tempo de paz, produção artística e intelectual e transformações sociais e artísticas. Prosperidade econômica e multiplicidade das formas artísticas e inovações tecnológicas. Cultura do divertimento.
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
23.4.16
Caricatura de William Shakespeare
Lembrei também que ontem deveria ter comemorado , o aniversário do descobrimento do Brasil ( e no meio dessa confusão política, quase esqueci). Curiosamente no dia 22 de abril de 1616 falecia Miguel de Cervantes Saavedra, "inventor do romance moderno". Como não tenho uma caricatura dele (apenas um cartunzinho), não postei nada.
Mas hoje se comemora a passagem de William Shakespeare para o andar de cima - que aconteceu em 23 de abril de 1616, na sua cidade natal, cujo nome sempre curti : Stratford-upon-Avon.
Bem, chega de blá blá blá e vamos ao desenho - uma caricatura de "Shakes" (que já publiquei por aqui). Primeiro postei o esboço e depois a arte final feita com pastel seco e lápis de cor. Bom domingo a todos.
(Clique nas imagens para ampliar e VER melhor)
22.4.16
Dia do Choro na Folha Seca - sábado (amanhã)
Leia o convite:
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Caricatura-Homenagem de Prince
Caricatura feita no lápis para homenagear o Grande Pequeno Prince.
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
5.4.16
Ciclo de palestras esclarece o que foi o Modernismo
Já começou no fim de março, mas dá tempo ainda de assistir :Modernismo: da Belle Époque às Guerras Mundiais será o tema de doze palestras.
Organizadas em módulos – História, Literatura, Música e Artes Plásticas – as palestras serão ministradas por Cláudia Heynemann, Amélia Lacombe, Ricardo Prado e Vera Siqueira, respectivamente, começou em 31 de março se prolongando até 30 de junho toda 5ª feira das 18h30 às 20h30, no Centro Loyola, na Gávea.
As cidades modernas, as Guerras Mundiais e os conceitos de Moderno e Modernidade são alguns dos temas abordados em História pela profa. Claudia Heynemann que permitirão uma maior compreensão do que será tratado nas palestras seguintes pela profa Amélia Lacombe em Literatura: a ruptura com a poesia tradicional; os “ismos” – Surrealismo, Dadaismo e Interseccionismo. Sá-Carneiro, Fernando Pessoa e seus heterônimos. Pelo maestro Ricardo Prado em Música: a fragmentação das músicas. Os herdeiros de Wagner e Verdi. Ritos impossíveis e o jazz. Stravinsky e Shostakovich. E, finalmente, em Artes Plásticas pela profa. Vera Siqueira: conceitos e marcos do Modernismo na Arte. Matisse e Picasso. Dadaísmo e Surrealismo. A crise da vanguarda pós-guerra.
Local: Centro Loyola. Estrada da Gávea 1
Informações e inscrições: (21) 3689.4869 vagalumeconsultoriaeventos@outlook.com
Mini currículos dos palestrantes
CLAUDIA HEYNEMANN: Doutora em História. Pesquisadora e Supervisora de Pesquisa do Arquivo Nacional. Curadora de diferentes exposições no Arquivo Nacional
AMÉLIA LACOMBE : Livre-Docente em Letras pela UFF. Professora de Literatura Brasileira e Portuguesa. Criou o Centro Unificado Profissional – CUP e o Colégio Don Quixote. Escritora. Responsável e autora da Coleção Conhecendo Nossos Clássicos da AGIR.
RICARDO PRADO: maestro premiado. Regente de diferentes corais e orquestras no Brasil e no exterior. Criador do OPUS Rio. Foi Diretor da Escola de Música Villa-Lobos. Criou o Programa Repertórios de Educação Musical.
VERA SIQUEIRA: Doutora em História da Arte. Professora associada do Instituto de Artes da UERJ. Curador de exposições em diferentes instituições como MAM, Paço Imperial, Museu Lasar Segall. Autora de livros sobre arte brasileira moderna e contemporânea.
Belle Époque : período compreendido entre o final do século XIX (mais ou menos 1870) e o início da Primeira Grande Guerra (1914). Tempo de paz, produção artística e intelectual e transformações sociais e artísticas. Prosperidade econômica e multiplicidade das formas artísticas e inovações tecnológicas. Cultura do divertimento.
Todos lá!
Organizadas em módulos – História, Literatura, Música e Artes Plásticas – as palestras serão ministradas por Cláudia Heynemann, Amélia Lacombe, Ricardo Prado e Vera Siqueira, respectivamente, começou em 31 de março se prolongando até 30 de junho toda 5ª feira das 18h30 às 20h30, no Centro Loyola, na Gávea.
As cidades modernas, as Guerras Mundiais e os conceitos de Moderno e Modernidade são alguns dos temas abordados em História pela profa. Claudia Heynemann que permitirão uma maior compreensão do que será tratado nas palestras seguintes pela profa Amélia Lacombe em Literatura: a ruptura com a poesia tradicional; os “ismos” – Surrealismo, Dadaismo e Interseccionismo. Sá-Carneiro, Fernando Pessoa e seus heterônimos. Pelo maestro Ricardo Prado em Música: a fragmentação das músicas. Os herdeiros de Wagner e Verdi. Ritos impossíveis e o jazz. Stravinsky e Shostakovich. E, finalmente, em Artes Plásticas pela profa. Vera Siqueira: conceitos e marcos do Modernismo na Arte. Matisse e Picasso. Dadaísmo e Surrealismo. A crise da vanguarda pós-guerra.
Local: Centro Loyola. Estrada da Gávea 1
Informações e inscrições: (21) 3689.4869 vagalumeconsultoriaeventos@outlook.com
Mini currículos dos palestrantes
CLAUDIA HEYNEMANN: Doutora em História. Pesquisadora e Supervisora de Pesquisa do Arquivo Nacional. Curadora de diferentes exposições no Arquivo Nacional
AMÉLIA LACOMBE : Livre-Docente em Letras pela UFF. Professora de Literatura Brasileira e Portuguesa. Criou o Centro Unificado Profissional – CUP e o Colégio Don Quixote. Escritora. Responsável e autora da Coleção Conhecendo Nossos Clássicos da AGIR.
RICARDO PRADO: maestro premiado. Regente de diferentes corais e orquestras no Brasil e no exterior. Criador do OPUS Rio. Foi Diretor da Escola de Música Villa-Lobos. Criou o Programa Repertórios de Educação Musical.
VERA SIQUEIRA: Doutora em História da Arte. Professora associada do Instituto de Artes da UERJ. Curador de exposições em diferentes instituições como MAM, Paço Imperial, Museu Lasar Segall. Autora de livros sobre arte brasileira moderna e contemporânea.
Belle Époque : período compreendido entre o final do século XIX (mais ou menos 1870) e o início da Primeira Grande Guerra (1914). Tempo de paz, produção artística e intelectual e transformações sociais e artísticas. Prosperidade econômica e multiplicidade das formas artísticas e inovações tecnológicas. Cultura do divertimento.
Todos lá!
4.4.16
Cartum: "O Eterno Retorno"
Saindo do forno: cartunzinho "O Eterno Retorno" (para ajudar a acalmar o ambiente) Eu me inspirei num post do mestre André Hippertt, que reclamava das bordoadas cibernéticas que rolavam na pracinha de guerra do facebook.
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
1.4.16
30.3.16
Para a criançada "Lendas Amazônicas" no próximo domingo, 3 de abril
Vai rolar no Centro da Música Carioca - Artur da Távola - Apresentação de Rui de Carvalho e Silvia Ferraz.
O evento acontecerá a partir das 16 horas, no seguinte endereço: Rua Conde de Bonfim, 824 - Tijuca / Rio de Janeiro.
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
O evento acontecerá a partir das 16 horas, no seguinte endereço: Rua Conde de Bonfim, 824 - Tijuca / Rio de Janeiro.
29.3.16
Lançamento do micro-livro "Cloro", quarta-feira, dia 30 de março
Nesta quarta-feira, dia 30, vai ser lançado o primeiro micro-livro de Isabel W. De Nono. Ele se chama Cloro e sairá pela Pipoca Press, uma editora independente de zines e outros quitutes gráficos. O lançamento vai ser na Hospedaria Rio, em Botafogo (Rua Vicente de Sousa 29, perto do Praia Shopping), a partir de 19h30.
Além do Cloro,no mesmo dia, Clara Meirelles, lançará o Temporada de alergia.
Os dois livros fazem parte da coleção PUXAD_NHO que tem as seguintes características(de acordo com o pessoal da divulgação): "dois autores, dois micro-livros, dois posters, um lançamento, boa música e boa bebida".
Clique no seguinte link para saber mais sobre o evento no Facebook:
https://www.facebook.com/events/236616490019130
Todo mundo lá!
(Clique nas imagens para VER melhor)
Dia 30, lançamento do livro “Rio de Janeiro: centro histórico colonial 1657-2015”
Dia 30 de março será lançado no Rio (Livraria Travessa/Rua Sete de Setembro,nº54 -Centro), o livro de Nireu Oliveira Cavalcanti, “Rio de Janeiro: centro histórico colonial 1657-2015”
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Todos lá!
Todos lá!
28.3.16
Não Perca a Série "Canto dos Exilados", agora ao vivo no Midrash, com Debates após a Exibição!
9.3.16
"Personagem Cabal" será lançado no Festival de Fotografia de Tiradentes - MG , neste sábado, 12/03
O bravo e talentoso fotógrafo e escritor Aguinaldo Ramos (o Guina) lança seu livro Personagem Cabal neste próximo sábado, dia 12/03, no Foto em Pauta (Festival de Fotografia de Tiradentes).
Segundo seu autor, este livro é "produto de 30 anos de convivência com a produção fotojornalística e algum investimento literário..."
Mais informações sobre o trabalho de Guina pode ser encontrado no seguinte link: http://www.fotopersonagem.blogspot.com.br/2016/01/personagem-cabal.html
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Segundo seu autor, este livro é "produto de 30 anos de convivência com a produção fotojornalística e algum investimento literário..."
Mais informações sobre o trabalho de Guina pode ser encontrado no seguinte link: http://www.fotopersonagem.blogspot.com.br/2016/01/personagem-cabal.html
5.3.16
Alabama Sakes e seu cartaz (pôster) espetacular
Esse é hipnótico pôster oficial para o show do Alabama Shakes, dia 15 de março (terça-feira) no Circo Voador! Ele foi feito pela designer Julia Liberati - Veja seu portfólio no link: http://cargocollective.com/julialiberati - O cartaz será distribuído gratuitamente no dia do show que vai rolar no dia 15 de março no Circo Voador.
Para conseguir ingressos clique no link ou vá ao Circo Voador/ Link:Garanta seu ingresso: http://wede.md/AlabamaFacebook
Como se vê Julia Liberati continua fazendo muita arte!!! Show de bola!!!
Role o mouse que o cartaz "sacode". Clique na imagem para AMPLIAR E VER como se conseguiu esse efeito bárbaro da distorção. O pessoal do Alabama Shakes vai pirar, he he!
Para conseguir ingressos clique no link ou vá ao Circo Voador/ Link:Garanta seu ingresso: http://wede.md/AlabamaFacebook
Como se vê Julia Liberati continua fazendo muita arte!!! Show de bola!!!
Role o mouse que o cartaz "sacode". Clique na imagem para AMPLIAR E VER como se conseguiu esse efeito bárbaro da distorção. O pessoal do Alabama Shakes vai pirar, he he!
3.3.16
CD de Clarice Falcão e seu "design" sensacional
Julia Liberati fez o projeto gráfico do novo CD de Clarice Falcão que já foi lançado no "spotify.
Eu como pai orgulhoso não poderia deixar de publicar aqui nesse nosso bloguinho.
Obs: Na arte da cena não tem Photoshop, não. O cenário foi todo montado e pintado. A única interferência digital, creio, aconteceu no título do álbum e no nome da compositora e cantora.
Acho que o álbum pode ser acessado pelo site https://play.spotify.com/album/7nuMBKZT1PpyGw9RzjqpR1
(Clique na imagem para ampliar e VER melhor)
Eu como pai orgulhoso não poderia deixar de publicar aqui nesse nosso bloguinho.
Obs: Na arte da cena não tem Photoshop, não. O cenário foi todo montado e pintado. A única interferência digital, creio, aconteceu no título do álbum e no nome da compositora e cantora.
Acho que o álbum pode ser acessado pelo site https://play.spotify.com/album/7nuMBKZT1PpyGw9RzjqpR1
1.3.16
Poesia, Filosofia & Literatura - um novo curso começa no Rio de Janeiro em março
Assinar:
Postagens (Atom)
